ACTIVIDAD PARANORMAL 2 : critica inspirada / emparejada con EL PROYECTO BLAIR WITCH ; cuando una película funciona y cuando una no funciona.

El cine tiene la capacidad de cautivar al espectador, de persuadirlo, es decir si uno ingresa a una sala de cine esta preparado para concentrarse en lo que ve y de esta forma todas las imágenes y sonidos van directamente por la percepción a el cerebro del mismo generando emociones, distinto es el caso de una televisión convencional o una pantalla mas pequeña donde siendo honestos es un poco mas difícil que esto suceda con mayor facilidad o fluidez. Pero ¿Qué sucede cuando aun en la mejor sala de cine la película no logra esto que mencionamos? Hablamos entonces de una mala película, y que sucede si se da el caso contratio, es decir vemos una película en una pantalla mucho mas pequeña que la de un cine y la película logra atraparnos como si no existiera nada entre lo que vez y lo que sucede en la habitación en cual se proyecta, claramente estamos hablando ahora de una buena película. He aquí esta pequeña introducción para comenzar a abarcar lo que ocurre creo con este tipo de películas, recién salido de la sala donde proyectaban Actividad Paranormal dos, prometedora y aterrorizante como fue su primer volumen, y altamente desilucionado.

¿Que es lo que la hizo interesante en ese momento a la primer película? Me pregunte, entonces conteste a mi misa pregunta, el hecho de que hace un tiempo ya en el cine no se veía algo interesante en cámara en mano completa, porque hasta la mismísima Cloverfield bien narrada con buena estructura paso un poco desapercibida. El mismo hecho que hacia que sus planos fuesen vistos con firmeza y precisión, porque siendo realistas si uno realmente se concentraba en Actividad Paranormal uno sacaba un buen resultado de la misma, claro que una buena película invita a la concentración que justamente es lo que no permite su segunda entrega, es decir si bien ambas poseen un ritmo tranquilo, ya sea por las actuaciones, por los encuadres o accionares dentro del tiempo utilizado la primer película es entretenida y no se pierde el hilo conductor de una buena trama. Aquí no solo ya hemos visto todo sino que también parecen jugar con el espectador a que se rinda fácilmente. Si bien tuvo sus buenos momentos y hay que reconocerlos uno muy claro es el plano que seguramente recordaras despes de verla como “el mejor momento” donde estamos frente a una cámara fija y de repente el miedo se apodera de la escena frente a un espíritu  enfurecido destruyendo la habitación (desordenándola) mientras que nuestra protagonista se encuentra pensativa.

Pero justamente eso fue lo que le falto a este nivel , como sabemos cuándo se crean secuelas ( o en este caso pre cuelas) es para afianzar lo que se genero en la primer parte, para demostrar que aun se puede llegar más lejos. Es por eso que he decidido compararlo para su mayor comprensión con una película de 1999 que seguramente todos recordaran la tan afamada “El proyecto Blair Witch ( De Daniel Myrick y Eduardo Sánchez). Que a diferencia de la actual Actividad Paranormal dos ella con menos recursos, menos efectos, menos posibilidades de venta si se quiere logra tener hora y media al espectador sentado frente a la pantalla y casi sin respirar. La historia es simple, un grupo de cineastas principiantes intentan rodar un documental sobre un viejo mito en las afueras de un conocido condado de los Estados Unidos, al llegar allí descubren que solo es fácil ingresar ya que salir será una tanto dificultoso y aterrorizante a la vez.

Fue una lástima por una parte desperdiciar la oportunidad de ver un buen cine en esta segunda película como también me da lástima los aburridos y ofensivos comentarios que recibe al salir de la sala esta película. Obviamente, una crítica cinematográfica no busca destruir nunca a un film, sino que busca encontrar algunos aspectos que en su opinión debieron tenerse en cuenta a modo realizativo y se dejaron pasar de largo dando un mal resultado.

Una de las cosas por las cuales ambas películas se diferencian es que en una de ellas (Actividad Paranormal dos) la información se planteo toda a el minuto de cinta de la película, y en la otra (Proyecto Blear Witch) la información se da de a poco es mas nos va ingresando a nivel dramático de una forma magistral si se quiere ya que de a poco nos perdemos con los personajes en las profundas aguas y arboledas del bosque, en cambio aquí tenemos una casa “repleta de espiritus” que no solo tardan en apareces y manifestarse sino que ni siquiera se incrementan, es decir transcurrido mucho tiempo de película pareciera que el realizador dijo :” hay que terminarlo de una vez” y es aquí justamente donde parte a el ultimo Plot Point (punto de giro en términos de guion cinematográfico) y desencadena una sucesión de planos que utilizan el mismo recurso ya explorado en la primera película y tampoco logran diferenciarse ni cobrar vida propia.

Las dos películas poseen un ritmo lento, pero hablar de ritmo lento no es hablar de algo aburrido, que claramente es lo que sucede aquí el espectador en un momento de film pide a gritos que suceda algo que lo saque de su estado de tranquilidad que para eso fue al cine a disfrutar y a probarse a si mismo como enfrenta al miedo.

Algo que si se torna interesante en Actividad Paranormal dos es que la inclusión de algunos artilugios nos hacen creer que todo es real (solo de momentos) por ejemplo el transcurso de escena tras escena que si bien en momentos decae haciéndonos recordar que estamos en el cine y viendo simplemente una película algunas veces cobra vida en encuadres vacios y repletos de suspenso.

 Otra cosa es que siguiendo con la línea argumental de la que hablamos la película siendo una pre cuela intensifica algunas cosas que sucedieron en la primera, como la relación entre la antigua protagonista y la nueva, percutida ahora ella, por espíritus que se apoderan de su familia y principalmente de su indefenso bebe. Que justamente se torna interesante como el ser más indefenso o vulnerable puede ser tomado como excusa para narrar los hechos que transcurren en la película. Como digo, no todo es malo en esta película posee sus buenos momentos pero realmente en líneas generales no toma un rumbo poderoso aquel que hace que el espectador se pegue al asiento.

Una película definitivamente olvidable pero no por esto debemos dejar de reconocerla como otro pequeño paso del cine completo en cámara en mano el cual es desde ya muy atractivo por su “no lenguaje” puramente cinematográfico. Y aunque my ultimo comentario tal vez despierte comentarios ofencivos hacia mi confio que un buen lector entenderá a que me refiero. Simplemente que no podemos comparar esta película con otra película clásicamente contada, y que si debemos comprender que es una “cinta real” y por ser real suceden y no suceden muchas cosas.

German Abal.

LA MIRADA INVISIBLE: Diego Lermand y un drama más que interesante

Debo admitir que este realizador me pareció interesante desde un primer momento y confieso no he visto sus otras películas (no faltara mucho para que esto cambie) como dije “interesante” es la palabra adecuada. Ya desde un primer momento desde su mismísimo primer plano nos instala en un clima sombrío y desolado, con la utilización de recursos cinematográficos tal vez muy utilizados pero con la diferencia de que la conciencia que se tiene sobre ellos es muy delicada y cuidada. Cada detalle de esta película va entrelazándose suavemente con el siguiente dando un resultado formidable. 

Argentina, 1982 por fuera del colegio Nacional Buenos Aires una guerra que poco a poco se aproxima , por dentro la mirada de “Marita” recae sobre los alumnos con el afán de controlar al máximo que nadie pierda los cabales de la estricta disciplina impuesta por la moralidad y lo respetable. Mirada que como anuncia Lerman desde un comienzo debe ser invisible, sutil y definitiva. Es interesante como las características o más bien las contracciones de cada personaje (ya desde el guion) son claras, concretas y concisas, sin caer en lo predecible podemos intuir algunas escenas siguientes como podemos llevarnos por sorpresa algunas otras, el punto es ¿Hasta dónde llegara cada uno de los personajes?

Es fácil explicar la belleza compositiva de esta película si se tienen en cuenta los aspectos fotográficos delicados a la hora de definir en una escena ¿Qué mostrar? Y ¿Cuándo mostrarlo? Como se comprenderá los Gran angulares de los que se nutre gran parte de la película denotaban la soledad y la frialdad con las que cada persona recorría día a día los grandes pasillos del establecimiento. O como la música interviene prácticamente solo cuando es necesario y nada más que cuando es necesario. Y aunque en algunos aspectos el sonido falle, en detalles que hacen que el espectador recaiga por segundos en la realidad de que lo que está viendo no es real sino ficticio no hace que se desmerezca toda la película en su construcción completa.

Cuando hablamos del cine de drama, y que a su vez tenga una carga política o social integrada rápidamente lo asociamos con películas (en tanto al Cine nacional) que Juan Jose Campanella nos daría , que si bien no dejan de ser excelentes a nivel argumental y realizativas aquí se nos presenta otro enfoque completamente distinto. Esto se da por que el director busco separarse un poco de los aspectos convencionales para tratar un tema tal como la dictadura. Como se sabe un película puede ser o dura, mostrándonos escenas de persecución y secuestros o dramáticamente emocional desde un personaje. No digo que sean solo esas dos formas de hacer el drama, claramente. Lo que digo es que el cine como se lo ve hoy día se “limita” a esos dos grandes polos. Es por eso que La mirada invisible se torna interesante, ya que no solo desde su personaje principal nos da el visto rápido de toda una época perturbadora sino que también ella misma no puede transcurrir un camino seguro y sin dolor.

El drama como dirían algunos en estado puro, pero completado con retoques, guiños y detalles que hacen que esta película funcione de forma neta y precisa.

Recomendada para aquellos que quieran ver buen cine, con estilos europeos como diría un apasionado a este arte maravilloso y compuestos realmente interesantes. Esto y mucho mas encontrara usted al ver La mirada invisible.

German Abal.

EL SECRETO, DEL EXITO: la dicotomia de la cultura y el mercado.

ACLARACIÓN: 

Como acostumbramos en ARTEPORSIETE solo redactamos criticas cinematograficas, pero hoy le daremos espacio a un análisis que pone en tela de juicio hasta que punto una pelicula es un producto netamente artistico y hasta que punto es solo un producto mas para su masiva comercializacion.Aclaramos tambien que no es que estemos hablando mal del film en cuestion sino que se nos genero la siguiente duda, y solo lo tomamos como un ejemplo y nada puntual contra él. Que lo disfruten.Atentamente German Abal.

EL SECRETO, DEL ÉXITO:

Por Germán Abal.

El cine es un arte, mas allá de que cada obra pueda tomar sus convicciones comerciales el arte como arte puede existir. Luego discutiremos si sigue existiendo o ha sido devorado por la gran vorágine despectiva del consumismo y lo puramente comercial.

Luego de escuchar de la voz de Pedro Almodovar , diciendo con decisión y firmeza “El secreto de sus ojos” en la ultima entrega de los premios Oscars en la elección de la “Mejor película extranjera”, los sentimientos de un servidor (en un primer momento) fueron de alegría. Una vez mas el cine argentino lograba ponerse al nivel de los grandes, una vez mas la labor de un artista era reconocida.  Pero, luego entré en la duda constante de sí ¿Esa película era neta de un artista cinematográfico, o solo era el resultado agresivo de una propuesta comercial? y un comercio donde la compra y venta se hace con frenesí olvidando así a los artistas y poniéndolos en lugares de productos. Claramente no niego las capacidades que tenga Juan José Campanella como realizador y artista cinematográfico, de hecho creo que es bastante certero en su trabajo ya que de forma sutil y sencilla logra embarcarnos en historias donde el humor y el fuerte dramatismo logran yuxtaponerse sin problemas. De lo que hablo aquí es de si un producto de estas formas o más bien el perfil de Juan José se puede tomar como arte concreto o es aquí otra representación de lo popular y lo comercial. Ya que como uno consta una película en determinado momento es un producto y el mismo se comercializa en más o menos medida por dinero. A propósito de este ultimo concepto Es propicio dar a entender esta idea con una cita textual, la misma se extrae de “El precio de la fama” de Leo Masliah cuento en el cual un músico ofendido por la petición de una mujer quien casi le suplica que deje de tocar el piano, accionar de su arte contesta lo siguiente :“!Cállese necia!, Alex dejo momentáneamente de tocar para decir esto :¿Sabe cuantos pagarían cien dólares la entrada para escuchar esto que estoy tocando? “. Y es allí donde vemos con claridad que cada artista al alcanzar un mínimo reconocimiento ya no valora solamente lo cultural el hecho de realizar su manifestación artística ,para la cual es capaz y es virtuoso sino que también lo hace a través de la sabida remuneración que se le seria otorgada si este la realizara.

Pero he aquí un punto mas que importante, es decir ¿Por qué una película de estas características gana los premios Oscars llena de “estrategias comerciales” y no lo hace tal vez una película menos llamativa a la hora de vender? Cuando hablo de “estrategias comerciales” creo que me dirijo netamente a la figura de Ricardo Darin en escena. ¿Por Que digo esto? Por que pareciera desde hace ya unos años que como diría una vulgar expresión “si no es Darin, no sirve”, aquí claramente otro artista se convierte, o mas bien se convirtió en un producto fácil de vender y comerciar, y otra vez no niego las dependientes características que presenta favorables como actor. Es decir el hace su trabajo de forma concreta y eso gusta, pero cuando este gusto se transforma en masivo, hace que el comercio crezca.

Claro que una idea como la que planteo, a los ojos de muchos pasara como vulgar si es que no me detengo a explicar sus dimensiones, pero mas que explicar quisiera ejemplificar como es que una película gana un Oscar y es reconocida como una buena película, perdón, mejor dicho “la mejor película extranjera” a los ojos de el país punta en el cine. Y es aquí donde caigo en la conclusión de que si una película no es denotada con una gran carga política no sirve. Por lo menos para este certamen. Analicemos esto; hasta el momento el cine nacional, tiene otorgados dos premios Oscars, el primero en el año 1985 por “La historia Oficial” del realizador Luis Puenzo que no olvidemos su fundamental trasfondo político, quien a ojos de muchos fue el punta-pie para que la película ganase y luego en el 2010 “El secreto de sus ojos” que “casualmente” presenta otro trasfondo político similar, llega victoriosa hasta el final y así gana el premio. Es decir ¿Que no vale el cine como cine? Sino que ¿vale aquel que denote la derrota de un país ante un sistema injusto? ¿Habiendo tantas cosas por que ponernos orgullosos los argentinos debemos ser reconocidos por este tipo de trasfondos?. De hecho en una de sus declaraciones el propio Campanella aclaro que en esta ultima entrega, él iba en busca de aquello que no logro en su ultima entrega por la cual fue nominada pero aun así no pudo obtener el premio, es decir recordemos también aquel 2001 donde los argentinos nos esperanzábamos con obtener algún reconocimiento entre los grandes con la tan afamada “El hijo de la novia” película que por su excelente calidad y firmeza podría haber obtenido tranquilamente y hubiese estado mas que merecido un premio o reconocimiento, pero aun así por no tener este “trasfondo” del que hablamos se quedo en la puerta , allí acariciando apenas con la mirada la estatuilla preciada, una lastima en opinión personal. Reitero no son mis palabras las que revelan este suceso, sino una aclaración a los medios que realizo Campanella. Como se ve, el artista prometió y cumplió, ya con la estatuilla en la mano y el orgullo de ser argentino el cine ganador regresa a su tierra para dar conferencias y de más. Es así como él llega a una conferencia de la cual fui participe y interrogando así al director pregunté ¿crees que se ha dado un cambio a partir del reconocimiento de “El secreto de sus ojos” en el cine Argentino? Y aunque parezca sorpresiva la respuesta Juan José, sin olvidarse de su humildad contesta que no, seguido de una explicación que pondré en mis palabras. El cine argentino se valoriza por lo que es, pero no creo que allá sufrido un cambio, claro que el realizador a mi entender va hacia lo que es en general el cine, es decir el planteamiento del cine argentino frente al mundo, y si se toma de ese lado no podemos discutirlo.

Una película así se vende , se comercializa, se lo es retribuido al creador y de mas pero no genera por si sola un cambio repentino en la mirada de muchos, ya que continuaremos con el prejuicio típico de “no, si es argentino es malo”, triste y real.

El mercado transforma a un artista, y siguiendo con mi ejemplificación de lo cinematográfico, basta ver como aquel primer acercamiento tímido de Campanella en el 2001 , renace con su “historia adaptada” en el 2010 aventurando al jurado a elegir a una nueva película argentina para el año siguiente, es el turno de “Carancho” y  adivinen que, el actor elegido es… Ricardo Darin, claramente. Una vez mas el actor de punta, una vez mas el cine comercial, una vez mas generado por y para la comercialización masiva. Claro que lo importante aquí es que “Carancho” no cumple con las expectativas netas de un “cine argentino” dicho despectivamente, de lo contrario podemos asemejar esta película con una del mismísimo Quentin Tarantino, salvando las diferencias claro, a lo que voy es que uno si se une a mirar detenidamente esta película se embarcara en unas dos horas de pura acción y más acción propias del cine norteamericano de multitudes, es decir podríamos analizar ahora de forma incierta de si es lo suficientemente capaz de ganar un premio Oscar, sabiendo que no hay ni dictaduras ni trasfondos políticos.

Comprendo si que la cultura argentina por lo menos la contemporánea esta marcada por el pasado oscuro de una dictadura militar, pero ¿debe el arte aferrase a lo monótono y  a la recurrencia de dictaduras para dar buenos resultados? O será que hasta aquello que es algo de total importancia para el desarrollo de un país, como planteamientos post- dictaduras ahora se rebalse de comentarios que hasta un propio cineasta como es el caso de Campanella diga que si no hay dictadura no vende? Claro recordando que no son palabras propias del realizador pero si el sentido en general de aquella primera declaración.

Artistas hay muchos, solo que como se viene el cine argentino en estos momentos solo parece al publico masivo interesarle dos nombres eso se comprende, desde ya. Es entonces que me parece oportuno citar a Roberto Arit, quien en su cuento “El escritor Fracasado” narra lo siguiente: “¿Por qué yo no podía producir y otros si? ¿ Donde radica la misteriosa razón que hacia que un hombre  que se expresaba como un imbécil escribiera como si tuviera talento” claro que aquí no hablo de Campanella, como señale anteriormente lo respeto y no cuestiono sus cualidades artísticas. Hablo de que el mercado no necesita para su andar “nuevas caras” por lo menos de momento. Es decir por que la utilización de Ricardo Darin no deja a ningún joven actor realizar un cine de medios masivos como sabemos es lo hace, vasta ejemplificar con una nueva película, bastante reciente por cierto, “El baile de la victoria” que si bien lleno algunas salas no fue por su firmeza realizativa ni por su lenguaje cinematográfico que siendo realistas carece de bastantes factores para lograr ser una buena película. Aquí Roberto Arit nos pone frente a una verdad incomoda, una verdad que fluye sin timidez por esta época moderna.

En conclusión uno puede vivir preguntándose si es merecedora o no del premio, preguntándose también si la valorización que le da el mismo pueblo a su cine es la correcta , pero aun así habrá siempre una premisa que responder ante toda obra, en algunas hallaremos una pronta respuesta, en otras se hará esperar y el interrogante seguirá existiendo , estamos ante ¿Cultura o mercado?

Germán Abal

EL MISMO AMOR, LA MISMA LLUVIA: El mismo Campanella, el mismo resultado.

Quien es hoy el icono argentino en la cinematografía tuvo como todo cineasta su primera gran película, aquella que lo diferencia de los trabajos anteriores la que le otorga el reconocimiento y marca el principio de una carrera. Siempre, claro esta, es conveniente comenzar con una película que de alguna manera marque las características propias del director. Eso si se busca seguir como artista en un marco tanto reconocido, como comercial pero sin dejar de lado (como en este caso) lo que es hacer buen cine. Lo que puede tomarse como algo repetitivo y cansador en un cineasta, la utilización de casi la misma música, respetando el mismo elenco , las líneas argumentativas similares, etc. en campanela para no tener efecto. Es decir un ve una película de este estilo y esta dispuesto a pasar claro un buen momento. Pero ¿Qué hace a que este proceso repetitivo no logre molestar a un espectador? Y creo, simplemente es con la simpleza y seriedad con la que se toma el asunto. Lo que sucede con esta película es que uno al ver el reparto (figuras conocidas para nuestro cine) por suerte no caracteriza al personaje por el actor, sino que se deja llevar por la historia y así Ricardo Darin no es Ricardo Darin y si es Jorge un cuentista que a pesar de su entusiasmo y calidez para escribir, a nadie parece interesarle su obra, él conoce a Laura con quien entabla una peculiar relación. Estos dos personajes llevaran la historia por un camino de tristezas, alegrías desamores y reencuentros que claramente uno como espectador no tarda en emocionarse. A demás digo, este es un aspecto fundamental en una película de este estilo, la capacidad con la que un autor hace reír y llorar con facilidad. Aquí tenemos de todo un poco desde pequeños gags hasta profundos trasfondos como lo es una dictadura militar, como sucedió en su última película, quien recibió el galardón más alto frente al jurado estadounidense en los premios Oscars. ¿A que voy con esto? A la comprensión de que una “forma” de hacer el cine, como lo hace Juan Jose Campanella es certera y no reiterativa, por que las historias pueden asemejarse pero el sentimiento que nos dejan l verlas es nuevo en cada momento. Una película que si gusta el estilo es altamente recomendable, para aquellos espectadores que buscan mas que una historia interesante a la hora de ver una película. Esto y mucho mas es El mismo amor, la misma lluvia. MUY BUENA.

SHREK POR SIEMPRE: un final con pocos aplausos.

Título original: Shrek Forever After

Dirección: Mike Mitchell

País: Estados Unidos

Año: 2010

Fecha de estreno: 08/07/2010

Duración: 93 min.

Género: Comedia, Animación, Aventuras, Fantástico

Calificación: Apta para todos los públicos

Web: www.shrekforeverafter.com

Distribuidora: Paramount Pictures

Productora: DreamWorks SKG, DreamWorks Animation, Pacific Data Images (PDI)

Por qué? Es lo que me pregunte cuando todo terminó, por que darle un final tan precario a un personaje que ha dado mucho que hablar y a alegrado con sus ocurrencias a muchos, luego pensé que tal vez podría ser por que con el estreno próximo de Monsters Inc 2 los productores no se atrevieron a competir sabiendo que fracasarían, lo cierto es que toda gran saga debe terminar alguna vez y este fue el final de Shrek el ogro querido por todos, el mas simpático y mas amigable. Realmente uno siempre espera mas de estos finales que de lo que ofrecen pero bueno , tampoco es el caso de una película que merece todo el desprecio de hecho fue divertida hasta donde se lo propuso , la trama jamás cambio de lo convencional y si se puede pasar un buen rato y entretenido frente a la pantalla grande. Como ya sabemos los personajes son los mismos solo que se suman a estos nuevos villanos, colegas, ayudantes y todos los que sean necesarios para que un guión de narrativa clásica funcione a la perfección.

Como Shrek preparaba su final era mas que seguro que retomaría cosas de sus tres volúmenes anteriores, de hecho la película esta repleta de ellos. Pero buno todo se le puede perdonar si es que en minutos de cinta nos muestran al “burro” solamente respirando ¿no es cierto?, claro que si.

En esta ultima entrega , la historia va nuevamente de la mano de la fantasía y los cuentos de hadas (gran acierto) , claro como cambiar algo que vino dando resultados desde el comienzo y arriesgándose a que no funcione ,sin tener la necesidad. En el ultimo episodio vemos a un Shreck envuelto en la vida familiar y queriendo recuperar con ansias su pasado como rey y dueño de su pantano, un ogro malvado al que todos temían. Es entonces cuando aparece nuestro Némesis un extraño hechicero y contratista que le ofrece a nuestro héroe un pacto, es decir este le ofrece un “el día que anhela” y él a cambio deberá entregarle otro que el no desee. Es aquí justamente cuando los enredos y la carrera contra el tiempo por salvarse a si mismo como a las personas quienes ama comienza.

Como verán no es algo que defraude pero si se quedara con ganas de ver mas y diciendo “¿Cómo? ¿Este era el final?” de hecho creo que si la película hubiese tenido una pizca (no mucho) pero una pizca mas de humor típico y gracioso seria un éxito. Sin en vargo es opinión de muchos que a este final le falto un poco. Pero tranquilos uno nunca sabe cuando podrán nuestros amigos productores yanquis darnos una nueva entrega de la saga. Esperemos con ansias solamente.

German Abal.

EL ORIGEN: otro acierto de Christopher Nolan.

Título original:Inception
Duración: 148 min.
Idioma original: Inglés
Géneros: Ciencia Ficción, Drama, Misterio, Thriller
Aspecto: 2,35:1
Color: Color
Sonido: Dolby Digital, DTS, SDDS 
Director: Christopher Nolan
Reparto: Leonardo DiCaprio (Cobb), Ken Watanabe (Saito), Joseph Gordon-Levitt (Arthur), Marion Cotillard (Mal), Ellen Page (Ariadne), Tom Hardy (Eames), Cillian Murphy (Robert Fischer, Jr.), Tom Berenger (Browning), Dileep Rao (Yusuf), Michael Caine (Miles). 
Escritura: Christopher Nolan (guión)
Música original: Hans Zimmer
Fotografía: Wally Pfister (director de fotografía)
Edición: Lee Smith
Casting: John Papsidera
Diseño de producción: Guy Dyas

Taquillera, inteligente e intrépida por empezar. Luego decimos que es un film inteligente y que sabe lo que quiere, dispuesto esto comenzamos el análisis.

El Origen (en su titulo latinoamericano) narra la historia de Cobb, un agente importante en los Estados Unidos que comienza a infiltrarse de modo ilegal en los sueños de las personas. Aunque parece ser un buen profesional todo se complicara cuando el pasado del personaje se interponga en el presente y la mismísima realidad sea realmente inverosímil.

Desde el punto de vista artístico como film se pueden tomar dos opciones “una maravilla cinematográfica” o el conocido despectivo “taquillera de Hollywood” de hecho mirándolo claramente los dos títulos no oficiales son validos. Primero por que desde el primer plano hasta el ultimo la película se nota que esta fríamente pensada y se ha tomado con una seriedad increíble, claro que mas se podía esperar de un director de esta magnitud simplemente no deja de sorprendernos, y eso que ha trabajado en películas distintas y eso solo habla de una cosa un verdadero director de cine que sabe lo que hace y puede tornarse multifacético cuando lo disponga.

Por ejemplo en el caso de El Origen nos muestra una súper producción pero con una buena trama , fuerte y que mantiene despierto , no como tal vez lo hacen otras peliculas que lo unico que vemos son efectos especiales volando de aquí para alla. De momentos pesara que esta en el viejo y querido mundo de Matrix (de hecho la trama se asemeja solo que esta trabaja con los sueños) pero luego notara aquellos toques inconfundibles del director. Tal como sucedió en memento los giros finales son audaces y dejan que pensar al espectador cuando se va retirando de la sala mientras que los títulos corren atrás en segundo plano.

Claro que muchos dirán “esto ya lo vi antes” y tendrán en muchos sentidos la razón , pero lo que por ahí se torna repetitivo sirve para ver y poder apreciar que no todo el cine es igual, claro que no por ejemplo una cara muy conocida pero que endereza como viene haciendo su carrera (Leonardo Di Caprio) que si bien ya lo hemos visto realmente actuar en La isla siniestra (Martin Scorsese) sus gestos de enojo y tristeza son cada día mejores.

 Por lo general en Arteporsiete no destacamos una escena puntual pero creo que el caso lo amerita, es simplemente magistral el uso de las cámaras lentas que se hacen en este film, tiene un toque de simpleza y uno de grandeza a la vez. De hecho tratare de entusiasmarlo de a poco ya que si no la vio deveria verla , al menos para sacar sus propias conclusiones. Mucha gente le dira que no la entendio cuando se estaba proyectando pero no se deje llevar por eso, la trama se entiende si se le presta atención.

Cosa que muchos espectadores modernos dejan de lado, en fin otro acierto de Christopher Nolan que marca nuevas riendas en su camino de la mano del cine inteligente, bien pensado y ademas taquillero.

German Abal.